电影镜头

Aspect Ratios

如果一部电影以一种宽高比拍摄，但要以其他宽高比放映

Letterboxing 在画面的上下添加黑条，以保持原始的宽高比, 在 4 × 3 的屏幕上放映 16 × 9 的电影时，通常会这样做
Pillarboxing 在图像的左右两侧添加黑条,如果你想在 16 × 9 的屏幕上放映 4 × 3 的电影，就需要用到它
Windowboxing 信箱黑边和柱状黑边的组合，它将影片完全包裹在黑色框架中，以便保留其整个纵横比

Focal Length

当光线进入镜头前部时，它会根据镜头的形状发生弯曲，然后聚焦到光学传感器或胶片上。镜头末端与它在光学传感器或胶片上聚焦的点之间的距离称为焦距，以毫米为单位。焦距较短的镜头使光线弯曲得更厉害；它能聚焦较近的物体，并提供更宽广的场景视野。焦距较长的镜头使光线弯曲得更弱；它能够聚焦较远的物体，但显示的场景区域较小

对于专业电影制作，使用 35 毫米相机或其数码相机时，标准镜头的焦距在 35 到 50 毫米之间。这是因为人眼的焦距为 43 毫米，因此 35 到 50 毫米范围内的镜头最接近我们观察世界的方式。焦距小于 35 毫米的镜头被称为广角镜头，因为它可以捕捉比正常视野更宽广的视野。焦距为 85 毫米及以上的镜头被称为长焦镜头或远摄镜头，因为它可以放大场景，让相机拍摄到更远的物体。

Lenses

数字越小 = 角度越广 = 你看起来距离更远，可以看到更多的场景 = 用于更广的拍摄
数字越大（镜头越长）= 角度越小 = 看起来距离越近，看到的场景越少 = 用于近距离拍摄

Wide-angle 广角 or short-focal-length lenses 短焦

8mm , or fish-eye lens
21mm
27mm

Normal-focal-length lenses 标准焦距

35mm
50mm

Telephoto or long-focal-length lenses 长焦或长焦距镜头

100mm
200mm
400mm
800mm
1200mm

Aperture

光圈（即允许通过镜头的光量）

光圈: 控制进光量和景深，就像调节水龙头的开口大小。光圈越大（f值越小），进光量越多，景深越浅，背景虚化效果越明显；光圈越小（f值越大），进光量越少，景深越深，画面整体更清晰

F-stops 光圈的大小以 f 值来测量。F值通常在2.8 到 32 之间

F数字越小 = aperture（光圈）越大 = 进入的光线越多 = 景深越浅，背景虚化效果越明显
F数字越大 = aperture（光圈）越小 = 进入的光线越少 = 景深越深，画面整体更清晰

Shutter Angle

快门角度（即允许镜头捕捉光线的时间）

快门: 控制曝光时间，就像控制水龙头的开关时间。快门速度越快，进光量就越少，适合捕捉快速运动的瞬间；而快门速度慢，进光量多，适合拍摄夜景或制造动感模糊效果

ISO

影响照片亮度和噪点，就像感光元件的敏感度。ISO越高，照片越亮，但噪点也越多；ISO越低，照片越暗，但画质更纯净。

Depth of Field

景深

当相机的镜头对着某一物体对焦的时候，在对得最准的那个点的前后会有一定的距离范围在我们看起来都比较清晰，这个范围我们就称它为“景深”。在这个景深前后的东西我们看起来比较模糊.
当画面中的所有物体都清晰对焦时，这称为深焦。当只有一个特定平面清晰对焦时，这称为浅焦或窄焦。调整景深是打造影片叙事点的有效方法，因为深焦将角色置于整个场景的背景中，而浅焦强调主体的重要性，同时使周围的一切都变得模糊。开大光圈的时候景深比较浅，只有一小段的距离是清晰的，而用小光圈的时候，景深要长得多，有好长一段的距离都是清晰的。景深前后不清晰的部分，就是模糊的被“虚化”了

在深焦镜头中，画面中的一切都清晰可见。这时你需要让观众感受到风景或特定的场景元素

FPS (Frames per second)

自20世纪20年代末以来，电影拍摄速度就一直以每秒24帧的速度进行,可接受效果的最便宜的速度。可能是考虑到胶片的成本。35 毫米胶片价格昂贵，而每英尺的成本（包括购买负片、冲洗和印刷）在任何电影预算中都占了相当大的比例
24帧在快速移动时，每一帧通常都会出现相当多的模糊，如果摄像机快速移动，图像可能会抖动或出现“频闪”,以 48 fps 拍摄和放映可以有效解决这些问题。它看起来更加逼真，观看起来也更加轻松，尤其是在 3D 模式下.全球影院正转向数字放映，许多电影都采用数字摄像机拍摄，提高帧率变得容易得多
测试了 48 fps 和 60 fps 的帧率。这两种速度之间的差异几乎难以察觉，但相比 24 fps，画质的提升却非常显著
70 毫米是目前使用的最大胶片尺寸.65毫米胶片主要用于IMAX电影，因为IMAX放映机（仍在使用胶片的放映机）的分辨率是70毫米

Move Camera

Handheld 手持
Tripod 三脚架
Steadicam 斯坦尼康是一种特殊的背带，可以固定在摄影师身上，用于固定数码相机或胶片相机。它配有配重块和平衡装置，因此摄影师在奔跑或行走时，相机的运动都能保持流畅。
Dolly 看起来像一条小型铁路轨道，可以是直线，也可以是曲线。摄影机和摄像师沿着移动摄影车轨道移动；移动摄影车可以用来平滑地跟踪行走或奔跑的演员，也可以用于从站在原地的演员身上推近或拉远
Vehicle mounts 摄像机可以安装在任何移动的物体上。有一些专门的支架或固定装置，可以将摄像机固定在行驶的汽车或摩托车上
Crane 摇臂的长度各不相同——从最短的25英尺（约7.6米）到最长的85英尺（约26米）。85英尺（约26米）长的摇臂重达4吨，并配有平衡重物以防止倾倒。在所有情况下，摄像机都安装在摇臂顶部；摄像机也可以进行远程操控。摇臂镜头允许摄像机升至高处俯瞰整个场景，俯冲拍摄动作，或后拉远以营造戏剧效果或情感视角
Technocrane 起重机和移动摄影车的组合。遥控摄像机安装在起重机顶部，起重机配有一个带轮子的推车，可以沿着移动摄影车的轨道推动
Helicopter mounts 直升机支架包括将摄像机固定在全尺寸直升机或微型遥控无人机上的设备，后者可以在拍摄现场附近、周围和上空飞行
Motion control 运动控制将摄像机和镜头调节功能连接到计算机，使摄像机运动能够精确重复；对于一个镜头的多个拍摄，计算机会移动摄像机。运动控制通常用于视觉效果丰富的镜头，这种镜头需要为同一镜头的不同层或版本创建多个图像。
Wire mounts 线式支架可以将摄像机悬挂在缆绳上。最早应用于体育电视报道，它让观众置身于比赛的中心，从而近距离地感受比赛的激烈场面
摇摄。摇摄是指画面在水平轴上移动——从右到左，或从左到右。它适用于跟踪动作、追踪人物的移动，以及展现重要的视觉信息。将摄像机安装在三脚架上即可完成摇摄。
倾斜。倾斜是指画面沿着垂直轴向上或向下移动。你可以利用倾斜来跟踪动作，从前景到背景，或从背景到前景，或者让观众注意到一些重要的事情。将摄像机安装在三脚架上即可实现倾斜。
推拉镜头。推拉镜头会随着角色或动作而移动。通常，你会将摄影机置于角色前方，让他们以相同的速度移动，并始终与角色保持恒定的距离。推拉镜头应该感觉毫不费力；观众通常不会意识到摄影机在移动，因为他们的注意力集中在演员的动作上。无论是否使用实际的摄影机轨道设备，都可以拍摄推拉镜头。你可用手持摄影机或斯坦尼康来跟踪演员。如果你使用摄影机轨道并将摄影机安装在移动式摄影车上，那么这个镜头也可以称为移动式摄影车。
推近或拉远。这些镜头沿着景深轴移动，可以用移动摄影车和轨道、手持摄影机或斯坦尼康来完成。推近镜头将画面移向角色的面部，营造出角色突然明白某事或即将采取某种行动的感觉。向物体推近可以强调该物体的重要性。拉远镜头则营造出角色即将做出重要举动的预期，画面会加宽，以便让动作得以发生。
变焦。变焦沿着景深轴推近或拉远，并在不移动摄像机的情况下移动画面。这是因为变焦是通过特殊的变焦镜头实现的。由于其特殊性，变焦能够沿z轴移动的距离比不使用变焦镜头的摄像机移动的距离要远得多。请记住，推拉式推近镜头和变焦拉近镜头在叙事方面存在着至关重要的区别。推拉式推近镜头会改变主要演员与周围环境之间的视角和大小关系，而拉近镜头则不会。
摇臂镜头。摇臂镜头使用摇臂将摄像机从高角度移动到低角度，或从低角度移动到高角度。如果从高角度开始，然后向下移动到场景中，就为接下来的动作做好了铺垫。这种镜头通常用于电影或连续镜头的开头。如果从视线高度开始，然后向上移动到高角度，就传达了透视感和完整性；这种镜头通常用于连续镜头的结尾，或作为影片的最终镜头。

为了充分利用摄像机移动，请遵循以下两个重要步骤：

以几秒钟的静态帧开始，进行摄像机移动，然后以静态帧结束，也应保持几秒钟。在剪辑过程中，您始终可以在摄像机运动时切入或切出镜头，但在每个镜头的开头和结尾处使用构图良好的静止图像，将为您的剪辑提供更大的灵活性。每次摄影机移动都从一个不太舒服的位置开始，然后再移到一个比较舒服的位置。这样可以营造一种故事推进感和情感驱动力。例如，你可以从车门开始拍摄（不舒服是因为摄影角度问题，而且它透露的信息不多），然后向上移动，包含从车里出来的司机（舒服是因为演员的构图很好，而且摄影机的移动揭示了是谁在开车）。再比如，镜头可以从一扇敞开的门开始（不舒服是因为角度悬念问题），然后移到房间里，发现一位作家坐在办公桌前（舒服是因为我们现在知道房间里是谁了）。

保持低调不要让地平线穿过演员的头部。通常，地平线应该落在演员的肩膀或肩膀以下。

Basic Shots

Long Shots

远景镜头对于展现人物和地点与其所处世界的关系非常有用。一个人走在空旷的城市街道上，人行道两旁用木板封住的建筑，就是一个远景镜头的例子；一栋小屋坐落在开阔的草原上，也是一个远景镜头的例子

Establishing shot 定场镜头设定了接下来场景的发生地点。它的广角应该足够宽，以便捕捉所有重要的建筑或景观细节。例如，在婚礼场景中，定场镜头应该展示教堂的外部；对于篝火场景，你应该拍摄周围的乡村景色，并能看到远处的篝火。定场镜头作为场景或序列之间的过渡尤其有用
Wide shot/master shot 广角镜头/主镜头广角镜头是指能展现所有或大部分演员的镜头。通常，主镜头是整个场景的广角镜头，你可以随时切换回这个镜头，或者在切换近景时将其作为参考。主镜头通常在场景开始时显示，以确立环境的地理位置以及演员之间的相对位置。远景镜头（也称为广角镜头，缩写为“WS”）的概念相同，但拍摄距离更近一些。如果拍摄对象是人，那么他的整个身体都会出现在镜头中，但不会填满整个画面。换句话说，拍摄对象的上方和下方应该留出足够的空间。使用远景镜头（或广角镜头）可以让拍摄对象在更广阔的环境中清晰可见。广角镜头还让我们看到美丽的背景图像以及旁观者，这将使任何重要时刻更具电影感。在众多镜头中，长镜头可以让我们更好地了解场景设置，并让我们更好地了解角色如何融入该区域。《火星救援》
Extreme wide shot （Extreme Long Shot (ELS) or Extreme Wide Shot (EWS)）大广角镜头大广角镜头与广角镜头的不同之处在于，演员的身形会显得更小，可能只占画面的20%。虽然大广角镜头的功能与广角镜头大致相同，但它也能营造出一种感觉，让环境更像是故事中的一个角色，或者展现演员在环境中无力感。科幻故事中，演员必须与陌生的外星世界搏斗，大广角镜头或许能派上用场；它们也是史诗冒险电影的常用镜头。超远景镜头（或超广角镜头）会使拍摄对象在其所在位置显得很小。你可以使用超远景镜头来使拍摄对象感觉遥远或陌生。《疯狂的麦克斯：狂暴之路》

Medium Shots

中景镜头让你更接近动作，但又不会太近——因此，它们是电影中最常见的镜头。它们让你看到场景的整个动作以及动作发生的部分背景。一个角色从口袋里掏出手机，或者两个角色坐在公园的长椅上聊天，都可以在中景镜头中得到很好的覆盖。中景镜头和远景镜头之间并没有硬性规定——界限很模糊。我们认为远景镜头更强调场景而不是人物，而中景镜头则将焦点集中在人物和动作上

Medium shot 虽然这类镜头都是中景，但经典的中景构图是从演员胸部开始向上移动至头部。这种中景让人感觉熟悉且客观，因为这是我们通常与他人互动的方式——站着或坐着，距离足够近，可以看到他们的胸部和头部，但又不会遮挡他们的脸。你可以使用中景来探索演员的情绪状态，避免特写镜头的主观性和操控性。
MCU, or medium close-up MCU比中景镜头略微紧凑，从胸部中央开始向上延伸至头顶，有时会在发际线处裁剪演员的面部。MCU 不如特写镜头那样有力，但仍然能将焦点集中在演员的眼睛和面部表情上。
Full shot 全景镜头从头到脚拍摄单个演员。这种镜头有助于展现演员的穿着。你可以使用全景镜头来强调服装的变化——例如，新娘第一次试穿婚纱——但除此之外，全景镜头应该谨慎使用，因为切换起来比较困难《被解救的姜戈》
Cowboy 牛仔镜头比全镜头更紧凑，或者说更近，通常会在演员膝盖上方截断。之所以被称为“牛仔镜头”，是因为西部片中经常用它来表现佩戴枪套的人物。由于人物手臂静止时，双手略微垂在膝盖上方，因此如果你想强调演员如何使用（或不使用）手势，牛仔镜头就非常有用。
Two shot/three shot 这些镜头指的是其中物体的数量，通常是演员。通常，这些镜头的取景都靠近演员的背部边缘，不会像广角镜头或主镜头那样展现太多的环境。最好将摄影机保持在与演员视线齐平的位置。双镜头或三镜头非常适合用一个镜头捕捉亲密的对话。

Close Shots

近景镜头将你带入场景的动作和情感之中；演员的脸占据了整个屏幕，让你感受到与角色的深刻共鸣。从这个意义上讲，近景镜头与远景镜头截然相反：远景镜头是客观的，而近景镜头是主观的。导演通常会选择近景镜头来呈现叙事中最有力、最有冲击力的时刻，这也是以人物关系为主题的电影的标准镜头。动作或物体的近景镜头是一种叙事手法，它以视觉形式讲述故事，通常不需要任何对话来表达观点

Close-up (tight vs. loose) 特写镜头 (CU)从演员的肩膀顶部开始，包括演员的头部。随着镜头靠近演员，镜头变得越来越紧密。随着镜头后退，镜头变得越来越松散。特写镜头对于在电影院屏幕以外的任何屏幕（电视、平板电脑、笔记本电脑和移动设备）上播放的电影特别有用。当你在小屏幕上拍摄时，特写镜头可以营造与演员的亲密感并很好地传达情感。它们也是强调细节和情节点的重要工具，例如，门把手转动的特写镜头、电子邮件的打开、钱被塞进手提箱的特写镜头，所有这些都为观众提供了必要的信息，使他们能够跟上故事的情节
Extreme close-up (“choker” and “haircut”)。大特写（ extreme close-up ECU）或大特写（ big close-up BCU）会将演员的肩膀框出来，通常甚至不会显示演员的头顶。当镜头切到演员的脖子时，通常被称为“窒息”。当镜头太紧，以致于连演员头顶也切掉一点时，就被称为给演员“剪发”。一些导演使用 ECU 来表现演员经历极端情绪或必须做出重大决定的时刻。神秘或悬疑故事中的 ECU 可能表示演员刚刚找到了一个重要线索。镜头通常聚焦于演员的眼睛，这是传达情感的主要表演工具
Insert shot 通常是特写镜头或近景镜头）捕捉场景中的一些重要细节。例如，如果演员从口袋里掏出一把枪，导演可能想拍摄一把枪露出时的插入镜头。你应该拍摄任何对角色重要的身体细节——例如，一封信（你可以在演员读信时切到它）或一把枪（你可以在演员拔出枪威胁某人时切到它）。插入镜头也可以用作切出镜头——剪辑师可以用来分割或缩短场景的主要动作

Camera Angles: How You View the Scene

Low-angle shot 低角度拍摄是指摄像机放置在角色视线以下的镜头。在这种镜头中，摄像机必须向上倾斜才能看到动作。这使得角色看起来仿佛在镜头前若隐若现，并处于一种强势的位置。你可以选择从低角度拍摄危险人物，以强调他们的威胁性。
High-angle shot 高角度镜头是指摄像机置于人物视线之上的镜头。在这种镜头中，摄像机俯视动作，通常会将人物置于一种卑微或无力的姿态。高角度镜头还可以通过将人物置于周围环境之中，来展现人物的客观性和规模感
Eye-level shot 在平视镜头中，摄影机与演员的视线高度相同，成年演员的视线高度通常在五到六英尺之间。平视镜头不会引人注目，而是以自然、客观的方式传达动作；它表明观众作为旁观者正在观察场景。使用平视镜头时，请选择近（紧）或远（松）视线。近视线与远视线指的是演员在注视镜头外的拍摄对象时，面向镜头的距离。近视线的演员看起来离镜头很近，就好像镜头外的拍摄对象就在镜头旁边一样。远视线的演员看起来离镜头很远，就好像拍摄对象离镜头很远一样
Bird’s-eye view 也称俯拍镜头，是指从非常高的角度，在动作的上方垂直俯视拍摄。这种视角使人物在周围环境中显得微不足道
Dutch angle 摄影机与地面或地平线平行放置；然而，荷兰角，也称为斜拍或倾斜镜头，会将视角倾斜，使摄影机与地平线成斜角——此时图像呈对角线。荷兰角暗示着不稳定、危险、陌生和悬念。你经常会在恐怖片和悬疑片中看到它们，或者在人物经历生理或心理变化的场景中——例如人物醉酒或情绪崩溃时——发现它们
Point-of-view shot. A point-of-view (POV) shot 视点镜头 (POV)展现的是演员在场景中看到的景象。它通常使用手持摄像机拍摄，营造一种运动感，模仿角色注视事物的方式。POV 镜头是主观的，必须从角色的视线高度拍摄。POV 镜头能够将观众带入动作以及角色的心理和情感状态。它们在悬念场景中尤其有效，例如角色四处张望以防万一；在对话场景中，当角色倾听并相互回应时，POV 镜头可以“进入角色的内心世界”；作为插入镜头和切换镜头，可以揭示角色的所见所闻
Over-the-shoulder 。过肩镜头（OTS）是一种极为常见的镜头，用于拍摄两位演员的对话。距离摄像机最近的演员被称为前景演员，或舞台前方的演员；该演员背对摄像机（看不到他的脸），镜头中会包含他的肩膀。面向摄像机（也是镜头的主要主体）的演员被称为舞台后方演员，镜头中会出现一个中景或特写镜头。OTS镜头非常重要，因为它可以通过在一个镜头中将两个角色联系起来，从而建立他们之间的关系（包括身体和情感方面）。OTS镜头适用于双人对话场景；但务必确保拍摄双方（越过每个演员的肩膀）。当你从OTS演员A向演员B拍摄时，然后转身从OTS演员B向演员A拍摄时，这被称为反打镜头
Wide lens close-up vs. long lens (telephoto) close-up 你可以用不同的镜头拍摄特写镜头，而镜头的选择可以带来显著的差异。广角镜头特写会“拉伸”演员的面部特征，并夸大演员与背景之间的距离。用视觉语言来说，这可以让摄像机靠近演员，同时仍然强调一种孤独感或孤立感。长焦镜头特写会压缩演员的面部特征，并拉近背景
Profile shot 侧面镜头可以是特写镜头，也可以是广角镜头——重要的是侧面形象，它能传达演员眼神的力度或演员面部雕塑般的质感。拍摄侧面镜头时，要确保演员的视线（演员看向镜头外拍摄对象的方向）与镜头成90度角
Three-quarter back shot 这种镜头几乎是从演员的背后拍摄；然而，摄影机仍然可以看到演员的部分眉毛和耳朵。（当演员戴眼镜时，镜头通常会聚焦在镜框上。）四分之三背影镜头通常能传达出演员陷入沉思的意境。与侧面镜头一样，这种镜头可以是特写镜头，也可以是广角镜头。
Over-The-Hip Shot (OTH) 过臀镜头与过肩镜头类似，都是将摄像机放置在前景中人物的臀部，并将焦点放在可接受的焦距平面上。您可以从过臀部镜头中获得与 OTS 类似的效果，但如果一个角色站立，另一个角色坐着、跪着，或以任何其他方式将拍摄对象置于“不平坦的地形”上，这通常会暗示力量不平衡

Dirty vs. Clean

包含前景演员的中景或特写镜头（例如过肩镜头）被称为“脏镜头”。画面中没有其他演员的镜头被称为“干净镜头”。你如何拍摄这些镜头？什么时候你希望镜头脏镜头或干净镜头？

拍摄“脏镜头”时，应聚焦于主角，并包含其他演员的面部或身体部分（镜头要足够清晰，才能看出是第二位演员让镜头显得“脏”）。这种镜头强调了两个角色之间的情感或空间关系。
为了拍出清晰的镜头，请将主要演员单独突出。画面中不应出现其他人。这样的镜头只会突出主要演员。
专业镜头移动：一个镜头就能从脏兮兮到干净利落。这个移动方式从脏兮兮的镜头开始，然后逐渐向主角推进，直到镜头变得干净利落。当你想展现主角身上正在发生的重要事情时，例如，顿悟的时刻、情绪的变化，或是一闪而过的认知，都可以使用这个移动方式。

Composition

好的构图三分法则/留出适量的头部空间/留出负空间/充分利用画面的体积和色彩/避免“中心打孔”/确定前景元素/运用对角线/谨慎调整摄像机角度，并始终保持精准/在整个场景结束前，始终保持构图的一致性/不要让干扰进入画面

180-degree rule

每当你拍摄一个场景时，都会有一条假想的线将摄像机和动作分开。只要你知道这条线在哪里，并且你一直站在这条线的那一侧，所有的镜头都会保持连续性，因为它们的银幕方向一致：演员会保持相同的左右方向关系。如果你走到线的另一侧，左右方向就会互换，镜头就不会再剪辑在一起。这被称为“越线”，其原理被称为180度规则。180度规则听起来令人困惑，但在实践中却相对简单。在图中，你可以看到一条假想线，演员在一侧

Unreal